Splitter Orchester: Code of Silence III/III, March 24 2021

Splitter Orchester: Code of Silence II/III, February 25 2021

Skills: ENTHUSIASM (2019) for Splitter Orchester

Alwynne Pritchard, Julia Reidy, Chris Heenan, Simon James Phillips: Public People (2018) for Splitter Orchester and ensemble mosaik

Splitter Orchester: The Paradox of Plenty (2016)

Øyvind Torvund: Constructing Jungle Books (2014)

Archive: Sound & Video

Three part concert series celebrating Splitter's 10th anniversary. Code of Silence brings the collective back to its roots: large scale group improvisation. The project does however raise the bar – the musicians completely waive spoken language during the preparations.

The idea originated when Splitter questioned its habits as a group and wanted to find out how a collectively organized music sounds like, that comes into existence without the involvement of rational conversation. In the past 10 years of collective cooperation, the group developed a wide array of strategies and methods of shaping sound. Code of Silence lets them discard all concepts and improvise without speaking for one whole day – every session is recorded and the musicians listen back to the recording immediately. This process is repeated several times, on the following day the doors are being opened for a public concert that presents the results.

CoS I/III happened live on September 8th and 9th 2020 at WABE in Berlin. 

Splitter Music Festival II - Counterbalance! (2019) 

The second edition of Splitter Music Festival once again focuse on strategies of contemporary improvisation and progressive musical practice in the context of large scale, non-hierachic ensembles. The complex artistic disposition of the Splitter Orchester is informed decisively by dissent, disagreement and the coexistence of a multitude of more or less contradictory individual perspectives.

Thematically, the main point of focus of the second edition was on the balancing of these artistic antagonisms inside of an anarchistic, self organised group dynamic. Radical de- and reconstruction of musical concepts arise necessarily as modes of cooperation, if the result is not supposed to block out participating individual positions in the unison. The festival program fused apparent contradictions on the planes of composition, improvisation, instrumentation and spatial disposition and thus lead musicians and audiences alike in previously uncharted terrain.

Skills: ENTHUSIASM (2019, world premiere) for Splitter Orchester
Magnus Granberg: Let Past My Weary Guiltless Ghost (2019, German premiere) for Skogen

Splitter Orchester: Vortex (2019, world premiere)
Oren Ambarchi / Will Guthrie: Live Set

Continuum / Big Circus (2019, world premiere)
four hour durational concert installation by and with Splitter Orchester, Skogen, Skills, Oren Ambarchi, Will Guthrie

Archive: Projects

Members

Marta is creating sound art since 2003, using self-made field recordings, digital and custom analog tools, medical machinery tape recorders, and recently antennas and radio receivers. Her sonic work investigates environmental phenomena, acoustic ecology, electrosmog, radio waves, focusing on sonic narratives & human emotions through de-composition and real-time tape manipulation, sounds that are considered non-musical or overheard.

From raindrops to footsteps to sine tones and cracked chips, she brings past experience into the present, relocating the orchestra in any number of environments, or placing the environment within the sonic spectrum of our improvisation.

Marta Zapparoli

Profoundly engaged in understanding the many complex opportunities and issues raised within large improvising ensembles, Sabine has directed and performed »Soundpainting«, an universal multidisciplinary live composing sign language, has performed in »Cobra« and the radical notational and organizational methods of Anthony Braxton. Her deep understanding of these approaches inform her individual contribution to the group, as well as aiding the collective itself.

Sabine Vogel


Roy works primarily with electroacoustic media - transducers, synthesis, feedback, audio recordings, amplification, software, - auditory and psychoacoustic phenomena even; to create multi-layered forms that continually renegotiate the transformation of electrical audio signals into disturbed air.

Roy Carroll

Matthias combines an interest in complex sound, slowly evolving structure and the dynamic potentialities introduced by the music of the English improvisers, most notably trombonist Paul Rutherford, into his broad vocabulary. Equally at home supporting subtle ideas, as he is providing the impetus for volcanic activity – in short, it’s never about him, and always about the band.

Matthias Müller

Equally at home across a broad range of musical environments, Michael is an explorer of timbre, rhythm, melody and noise. Echoing the investigations of the last generation of improvisers, his research has led to a greater focus on the minutia of sound and the power of simplicity.

Michael Thieke

Originally a pianist, Magda developed a vocabulary utilizing both the inside as well as the exterior parts of the piano, using preparations and objects, and exploring textural, linear and fast moving sound collage.
Alongside the piano, Magda performs on a Clavinet/Pianet, an electric piano from the 60s with strings and metal chimes, where she engages with timbral textures, noise and more visceral sound material, equally extending the instrumental sound palette using extended techniques and devices.

Magda Mayas

Robin has redefined the tuba’s potential both in the areas of noise and microtonality. His unique playing ability is recognized the world over – his absolutely personalized language has been utilized by such ground breaking composers as Alvin Lucier and Christian Wolff, not to mention, himself.

Robin Hayward

Anat is a clarinetist, saxophonist and composer, focusing on the music of the African American Improvising tradition. Her music encompasses the study of Indian classical music, Jazz, Modern Composition and free improvising. She brings expressionism, joy and lyrical beauty.

Anat Cohavi

Obsessed with cello and space, string scientist Anthea is as deeply involved in the worlds of Sound Art as she is music. She can transform her cello into a feedback and noise generator with the flick of a wrist.

Anthea Caddy

Although populated with Australian Ex-Patriots, Steve Heather is the only »Aussie larrikin« figure in the orchestra. He brings his broad experience as a theatre producer, jazz drummer, electronics composer and suitcase-centric percussionist to the role.

Steve Heather

A defining figure in the sound-scape of Berlin. Axel plays the trumpet as if it were a steam engine, a sine-tone-generator and an automotron all at once. His solo work, and long list of diverse, long term collaborations have been essential to the listening experiences of the early 21st century.

Axel Dörner

Mike holds an active interest in extending and refining possibilities of sound production for the double bass. His work primarily focuses on repetitive structures and their mutations, relationships between stillness and pulse, as well as the spectral qualities of double bass resonance.

Mike Majkowski

A classically educated concert pianist, Simon is an experienced teacher, arranger, accompanist and performer. He left Australia, and a career as a concert performer, to pursue the open framework of improvisation. He brings an acute intelligence, and a highly developed formal awareness to his playing.

Simon James Phillips

Kai focuses on a subtle musicality of sound and noise phenomena. His music is rooted in abstractness, including increasingly an insidious expressivity and a pre-melodic quality. He works on the borderline of »composition« and »improvisation«, with a preference for long-term collaborations.

Kai Fagaschinski

Chris is a veritable encyclopaedia of New, Old, Odd, and Specialised musical artefacts – a knowledge that informs a versatile and generous musical mind. His contributions to the orchestra on the rarely heard Contrabass Clarinet are deceptively simple, and absolutely essential.

Chris Heenan

Biliana is a dynamic and thoroughly engaged improviser whose work spans the widest possible range of music, sound and movement. A gifted, virtuosic player who nonetheless puts listening at the forefront of her approach. She offers the orchestra its only high string and some of its highest energy.

Biliana Voutchkova

Andrea’s work has been a cog on which the concepts and conversation of improvisation has spun in Berlin since 1996. She works across the fields of improvisation, composition, dance, film, performance and instrument building. In the process of exploring the piano for new sound possibilities, she has reduced the instrument to strings, resonance board and metal frame. With the help of electronics to manipulate and amplify the sounds (sometimes to make parts of the sound audible which are inaudible without amplification), she has developed numerous new playing techniques, sounds, and ways of preparing the dismantled instrument.

Andrea Neumann

One of the truly original instrumentalists in the world of creative music, Burkhard has refined his percussion palette to the point where he can practically infer an orchestra of options with the slightest gesture.

Burkhard Beins

Manchmal trifft man einen alten Bekannten auf der Straße, den man längst aus den Augen verloren hatte und von dem man gar nicht mehr wusste, wie gern man ihn eigentlich hat. “Das soll Musik sein?” Diese ehrwürdige und längst aus der Mode gekommene Frage kommt an diesem Mittwochnachmittag richtig kauzig und kiebig daher. Ein Arbeiter in einem blauen, verranzten Overall, der sich heute auf dem Heimweg schon mal ein Bier aufgemacht hat, steht verdutzt, aber keineswegs empört vor dem offenen Probesaal der “Wabe” und hört den sich einspielenden Musikern zu. “Das ist ja schlimmer als auf meiner Baustelle!” Dem Kopfschütteln, das folgt, ist keine Empörung anzusehen, sondern eher so etwas wie Resignation. Als hätte sich auch dieser Mann damit abgefunden, dass man auch mit Spinnern leben lernen muss, im Berliner Prenzlauer Berg zumal.

Natürlich geht es nicht um Spinner, sondern um Musiker, die sich dem Klang dort widmen, wo er für andere Musik zu sein aufgehört hat. Aus dem Saal dringt deshalb ein freundliches Tubagrunzen und eine verstopfte Klarinette. Die Probe hat noch nicht begonnen. Die Musiker bauen auf und spielen sich warm. Die Türen stehen offen und da steckt dann auch schon mal jemand den Kopf hinein. Wer den Proben aus der Distanz, als Zuhörer von der letzten Stuhlreihe her beiwohnt, wird auch gleich in ein Gespräch verwickelt, zum Beispiel darüber, ob das jetzt die Kasperlegruppe für Kinder ab 5 Jahren ist. Nein, ist es nicht. Oder ob da noch ein Platz frei ist in der Gruppe. Nicht dass man wüsste.

Die Minuten vor der eigentlichen Probe sind vor allem deshalb schön, weil der Raum, der architektonische und der musikalische, noch offen steht und sich erst allmählich schließt. Wenn ein Stück dann einmal begonnen hat und den Klang die heilige Weihe der Kunst ereilt hat, ist diese Brücke zwischen Innen und Außen nicht mehr zu schlagen. Natürlich stehen die Musiker auch beim Spielen mit der Außenwelt in Kontakt. Der Aufführungsraum, seine Präsenz und seine Lebendigkeit, gehöre zu den zentralen Dispositiven der freien Improvisation, erklärte einst Keith Rowe, ein Aspekt, der in vielleicht keinem anderen Bereich so sorgfältig untersucht werde. Und manchmal ist es auch einfach eine Krankenwagensirene, die in den Konzertsaal dringt und sogar ein Stück Musik als unfreiwillige Coda beendet.


Man stelle einem Ton Rauschklänge gegenüber. Was für ein Ton soll das sein? Ein C oder ein A? Es muss also gestimmt werden. “Von Tönen habe ich keine Ahnung”, frotzelt jemand, der wohlgemerkt ein Melodieinstrument spielt. Und wer mit einem Laptop und einer Reihe von Samples zur Probe erschienen ist, muss sich auch überlegen, wo er ein solches A hernimmt. Zwei Sextette proben die Konfrontation, die Gegenüberstellung und die Abgrenzung.

Warum sollte jemand, der frei improvisiert, überhaupt proben? Bis heute gehört es zum Ethos der freien Improvisation, dass man nicht über die eigene Musik spricht. Paul Lovens zum Beispiel verweigert vor dem Konzert jedes Wort über Musik. Man betritt die Bühne und spielt. Punkt, Aus, Ende. Auch Vinko Globokar betont, dass nie etwas verabredet wurde und auch sonst die Auftritte nicht Gegenstand des Gesprächs wurden. Ein Tabu. Und jetzt kommt eine andere Generation und fängt plötzlich an, gemeinsam Konzepte und Formverläufe zu erarbeiten. Ein Affront?

Was also geschieht in diesen Übungen, mit denen sich das Splitter Orchester in einem halben Jahr auf ihre Konzerte einstimmt. Zum einen muss sich ein solches Ensemble finden. 24 Musiker, die gemeinsam improvisieren, sind eine Herausforderung. Wer ähnlich große und allumfassende Gruppen erlebt hat, weiß, wie schwerfällig und sogar uninspiriert das klingen kann. Die Übung schafft Konzentration. Geübt wird nicht ein Stück; es wird nichts einstudiert. Auch das Material ist bei Probenbeginn weitgehend präformiert. Der frei improvisierende Musiker verfügt in der Regel über ein bestimmtes Vokabular, das im Dialog mit seinem Instrument in aller Abgeschiedenheit entsteht. Gegenstand der Übungen ist vielmehr das Hören selbst. Wie reagiere ich? Wie reagiert mein gegenüber? Wann trage ich etwas bei? Wann verstumme ich? Gut beobachten lässt sich das am Anfang einer Übung. Wer setzt als erstes, wer als letztes ein. Schlagzeuger und Pianisten haben oft weniger scheu, ein Stück zu beginnen, während die auf intimere Weise mit ihrem Instrument verstrickten Bläser gelegentlich Zeit brauchen, um sich in eine musikalische Situation einzufühlen. Wie entfalte ich mich und schaffe gleichzeitig die Möglichkeit, dass andere sich entfalten? “Man sieht einer Inszenierung an, ob der Regisseur ein Arschloch ist”, heißt es in einem Bonmot des Theaterbetriebs. Für die freie Improvisation gilt das natürlich auch.

Ganz selten einmal wird aus einer Übung auch ein Konzertstück. In der Regel ist eine solche Vereinbarung nämlich viel zu starr und zu schematisch, um es zur Grundlage einer vollwertigen Darbietung zu erheben. Andere gehen erst gar nicht auf, und dann entfaltet sich mitunter gar die quälende Langeweile einer Etüde. “Das Ergebnis war interessanter als die Diskussion, die ihm vorausging”, stellt ein Musiker verwundert fest. Und manchmal ist eben auch das Gegenteil der Fall.


Die Kreuzblende. Während ein Instrument sich langsam ausblendet, blendet ein anderes sich allmählich ein. Der Übergang soll nahtlos, unmerkbar vonstatten gehen. Das ist natürlich einigermaßen unmöglich, sofern sich ein Klavier- und ein Celloton qua Obertonspektrum so voneinander unterscheiden, dass kein Mischklang entstehen kann. Dass man es trotzdem versucht, hat etwas mit dem Möglichkeitssinn künstlerischen Denkens zu tun. Warum sollte man die Gesetze der physikalischen Akustik nicht Lüge strafen können. Dann aber tritt etwas ein, das man weder vorhersehen, noch vorausplanen konnte: ein brüchiger, sich gegenseitig verunsichernder Zweiklang zum Beispiel. Willi Baumeister prägte mit seinem Buch Das Unbekannte in der Kunst (1947) den Begriff des schöpferischen Winkels, mit dem genau solche Abweichungen gemeint sind. Eine Übung ist auch ein Experiment mit offenem Ausgang.

Wenn Thomas Meier im September 2010 fragt, ob “die freie Improvisation am Ende” sei, dann ist es verständlich, dass darauf mit einer gewissen Empörung reagiert wird. Schließlich lässt sich ein Genre, das von Tausenden Musikern ganz unterschiedlicher Herkunft mit großer Hingabe betrieben wird, nicht über Nacht desavouieren. Aber so hat Meier es natürlich auch nicht gemeint. Die Beobachtungen des Züricher Musikwissenschaftlers richten sich eher auf die zunehmende Institutionalisierung des Metiers, was sowohl die Hochschulen und Lehrstühle betrifft als auch die zunehmende Selbstverständlichkeit einer ästhetischen Position, die einst antrat, um Selbstverständlichkeiten zu unterwandern, und deren eigenen Selbstverständlichkeiten sich unter Umständen auch in der Musik selbst, so darf man Meier verstehen, niederschlagen. Unterliegt denn diese Musik überhaupt dem Diktat der permanenten Erneuerung? Und wenn ja, wie findet diese Erneuerung statt? Was ist das Neue an der freien Improvisation der letzten Jahre? Wie ist es um das Schockpotenzial dieser Musik bestellt? Irritiert sie überhaupt noch? Fordert sie unser Hören heraus?

Bezeichnenderweise spricht Meier auch davon, dass Improvisatoren, die eine Phase zu Ende gelebt oder vielmehr gespielt zu haben glauben, sich bisweilen für andere Musiken und Musiker öffnen. Um “die Arbeit zu intensivieren und festgefahrene Spuren zu vermeiden”, arbeitet man dann mit Musikern aus anderen Musikkreisen. Oder aber man schafft sich einen kompositorischen Rahmen: “Durch die Einengung des Spielraums eröffnen sich neue Klangbereiche, die dann wieder in die freie Improvisation integriert werden können.” Wenn jetzt Musiker der Berliner Echtzeitmusikszene gemeinsam Übungen durchexerzieren, hat dies gewiss auch etwas mit dem Wunsch nach solch “neuen Klangbereichen” zu tun. Die Strategie hat eine gewisse Tradition. Auch die Mitglieder des Ensembles Nuova Consonanza haben sich in den Sechzigerjahren solchen Übungen gestellt, wobei ebenfalls oft Prozesse und Abhängigkeiten formuliert wurden, die dann kurze Stücke ergaben.

Dabei ist es nicht ganz fair, die Musiker der Echtzeitmusikszene unter dem Begriff der freien Improvisation zu subsumieren. Denn durch den eigenen Genrebegriff versuchen sich viele Mitglieder dieser Szene ja gerade von solchen Verallgemeinerungen abzugrenzen und auf die Eigenständigkeit des Berliner Ansatzes hinzuweisen. Es ist legitim, diese Grenze zu markieren bzw. sie zu ziehen, sofern im Rahmen der Echtzeitmusik tatsächlich stärker als im Rahmen der freien Improvisation sonst konzeptionalisiert wurde, sich kleinere Gruppen gebildet haben, Duos wie Serge Baghdassarians und Boris Baltschun, Sabine Ercklentz und Andrea Neumann, Kai Fagaschinski und Michael Thieke, das Trio Perlonex mit Burkhard Beins, Ignaz Schick und Jörg Maria Zeger, die jeweils über mehrere Jahre eine eigene Klangsprache entwickelt haben. Werner Dafeldecker spielt bei Polwechsel, Steve Heather bei The Understated Brown, Sabine Vogel bei Schwimmer, Tunar, phono_phono usw. usf. Solche Gruppen haben mit dem eher negativ bestimmten Freiheitsbegriff der herkömmlichen Improvisatoren, der sich als Freiheit von etwas, nämlich Konventionen, Absprachen etc. beschreiben lässt, eher wenig zu tun.


Man schließe sich einer von zwei Gruppen im Ensemble an, die spontan, während der ersten Sekunden des Stücks ein gemeinsames Klangmaterial entwickeln. Darüber hinaus wird ein einzelner Musiker mit einem besonderen Ton ausgestattet, ein vorübergehender Solist, der seinen Ton qua Blickkontakt an einen anderen Musiker weitergibt, um sich daraufhin einer der beiden Gruppen anzuschließen. Als sich das Splitter Orchester 2010 zu einer ersten Probenphase traf, erzählen einige Musiker anschließend in der Pause, sei es vor allem darum gegangen, die Allmählichkeit der formalen Verläufe zu überwinden, darum, Schnitte und Brüche herzustellen. Der Blickkontakt ist da ein wichtiges Steuerinstrument. Und trotzdem bleiben hier und da die Einzelmusiker auf “ihrem” besonderen Ton sitzen, weil es ihnen nicht gelingt, den Blickkontakt mit einem anderen herzustellen.

Die Gründung des Splitter Orchester gleicht einem Signal. Es geht dabei nicht so sehr um die schiere Größe und die Idee eines “Orchesters” im emphatischen Sinne des Wortes, sondern einerseits darum, das Klangrepertoire der Berliner Musiker in seiner ganzen Breite auszuschöpfen, zum anderen darum, die musikalische Komplexität zu erhöhen. Das Splitter Orchester ist kein bloßes All-Star-Ensemble, sondern eine planvoll gestaltete Konstellation, beinahe eine Komposition eigenen Rechts. Clayton Thomas und Clare Cooper, die in Australien bereits das Splinter Orchestra ins Leben riefen, sind für die Zusammenstellung des Ensembles verantwortlich. Es findet sich innerhalb des Splitter Orchesters ein Elektroquartett, ein Streichquartett (nicht im herkömmlichen Sinne natürlich, sondern mit zwei Celli und zwei Bässen besetzt), ein Klarinettenquartett, ein Blechbläserquartett … Gleichzeitig werden einander widerstreitende Positionen gegenübergestellt: hier der Konzertflügel mit Simon James Phillips, dort das Innenklavier von Andrea Neumann, hier die rohe, radikale Geräuschästhetik des mexikanischen Klangkünstlers Mario de Vega, dort der erzählende Duktus, den Marta Zapparoli pflegt.

Bereits im November 2010, als sich das Splitter Orchester im Berliner Radialsystem vorstellte, wurde deutlich, dass sich die Klangsprache des großen “Apparates” deutlich von anderen Gruppen der Echtzeitmusikszene absetzte. Mit knappen, kurzen Gesten und punkthaften Gestalten, mit klaren Zäsuren und vereinzelten Momenten, näherte sich das Splitter Orchester da dem Duktus nach bisweilen komponierten Formen der Sechzigerjahre an. Akustische Reiz-Reaktions-Ketten verleihen der Musik eine theatralische Dimension. Es gibt die negativen Höhepunkte einer ins Pianissimo gezwungenen Ekstase. Oder aber jenes Konzert für Glockenspiel und frei improvisierendes Ensemble, das entsteht, weil der Schlagzeuger sich in einem glücklichen Augenblick ein wenig in den Vordergrund spielte und eine konzertante Disproportion aufkommen lässt. Natürlich trägt auch die visuelle Ebene zur Ästhetik des Splitter Orchesters bei. Steve Heathers Koffer erinnert an die Sammelhaufen eines Dieter Roth. Und die Demutsgeste, mit der Werner Dafeldecker vor seinem Kontrabass niederkniet, um mit dem Bogen den Stachel zu bearbeiten, wirkt beinahe religiös. Natürlich ist Heathers Koffer nur eine pragmatische Werkzeugsammlung, ist Dafeldeckers Kniefall der bloßen Praktikabilität geschuldet und also vielmehr als Hemdsärmeligkeitsgeste zu verstehen. Aber sie weiten doch den Deutungsraum, in dem wir diese Musik hören und entziffern.

Brisant ist darüber hinaus das soziale Element der Musik, dass die Töne und ihre Erzeuger also in einem gesellschaftlichen Zusammenhang erklingen. Zurückhaltung und Vorstöße sind akustische Metaphern, die etwas darüber aussagen, wie wir miteinander umgehen wollen. Eine der Spielanweisungen im Ensemble lautet z. B.: übertöne jemanden anders oder lasse dich übertönen! Ähnlich verhält es sich mit dem Versuch, zwei oder drei Klangschichten im Ensemble entstehen zu lassen oder, im Gegenzug und fast noch schwieriger umzusetzen, jedes Ensemblemitglied eine eigene, diskrete Schicht entwickeln zu lassen, eine Art kollektiver Solipsismus.

Spiele so laut wie möglich! Vermeide dabei das Klischee eines laut gespielten Tons! Natürlich stellt sich die Frage, was überhaupt geübt werden kann. Was ist eigentlich mit dem Tempo? Haben frei improvisierte Stücke überhaupt ein Tempo? Fragen der Dynamik, der Balance, des Prozesses und der Form stehen hingegen regelmäßig im Mittelpunkt. Spiele so, dass alle, also auch das leiseste Instrument zu hören ist! Zuspitzungen und Übertreibungen sind erwünscht. Und trotzdem werden auch Rügen ausgesprochen, wenn jemand die Regel ganz offensichtlich verletzt.

Wenden wir uns abschließend einmal den ganz großen Fragen zu; man schreibe: Präliminarien zu einer Eschatologie der freien Improvisation. Die Innovationen der freien Improvisation im Allgemeinen und der Berliner Echtzeitmusik im Besonderen galten nie einfach nur der Suche nach neuen Klängen. Stattdessen ist die reduktionistische Materialerweiterung der Neunziger- und Nullerjahre häufig auf politische und soziale Sachverhalte zurückgeführt worden, als Reaktion auf die Störanfälligkeit des modernen Lebens zum Beispiel oder als Reaktion auf den Mauerfall, der vor allem in Berlin und in Wien auch geographisch greifbar war. Sie wurden als soziale Experimente interpretiert und mit den Gesellschaftstheorien Nicolas Luhmanns in Verbindung gebracht. Begriffe wie Kontingenz und Emergenz wurden zu analytischen Dispositiven des Diskurses.

Es lassen sich weitere Anknüpfungspunkte denken, darunter die Theoreme der Chaostheorie, die die Unvorhersehbarkeiten kausaler Zusammenhänge proklamiert. Wer einmal erlebt hat, wie sich die Gleichzeitigkeit zweier an sich vollkommen einfacher Konzepte auf die Komplexität des Klanggeschehens auswirkt, versteht, wie Flügelschlag und Wirbelsturm zusammenhängen. Dabei hat Komplexität weniger etwas mit Überforderung und Unverständlichkeit zu tun, sondern vielmehr mit der Möglichkeitsfülle akustischen Denkens. Gewiss ließe sich auch über den spirituellen Charakter der Gemeinschaftsimprovisation nachdenken und darüber, ob dieser Musik über die sozialen Codices hinaus eine Utopie innewohnt. Lässt sich Hölderlins “Einklang freier Wesen” mit dieser Musik in Zusammenhang setzen, oder ist der bürgerliche Bildungskanon bei der Rezeption dieser Musik zwingend auszuklammern? Wie verhält es sich mit ästhetisch Überkommenem? Was ist mit dem Erhabenen und der Naturhaftigkeit der freien Improvisation? Die gelungensten Improvisationen überwältigen ihren Hörer mit der Kraft eines Naturereignisses. Damit soll die Entscheidungsautonomie der Musiker nicht hinterfragt werden, die ja nicht als Natur, sondern als autonome Subjekte in einer Gruppe handeln. Es müsste ja auch vielmehr laut darüber nachgedacht werden, warum einen diese Musik so bewegt und was sie noch alles bedeuten könnte, von der mimetischen Spiegelung des Baustellenlärms bis hin zum Göttlichen in uns.

“I think that we are investigating areas of music which maybe no other, no other kind of music is currently looking at. I am thinking of that moment in the room, and the room being a very complicated concept. We have the history of all the people in that room. We have the room itself. The physicality of the room. And it changes from second to second. And as an improviser it is really checking those changes second by second by second by second, assuming nothing about the next twenty seconds. Playing in the atmosphere in that room, as it changes constantly. Absorbing it. Checking it.” (Keith Rowe 2004 in Köln im Gespraech mit dem Verfasser.)


Bruchstücke

Text: Bruchstücke aus harten Materialien, in der Regel scharfkantig Das Berliner Splitter Orchester

On the occasion of a rehearsal and working phase in Berlin's studioboerne45 recording studio, Splitter Orchester is opening the doors for a concert of improvised music. 

Free admission, space limited! No registration - first come, first served. 

March 24, 2023
20:00h
at studioboerne45, Börnestraße 43, 13086 Berlin-Weissensee


Splitter Orchester @ Uppercut Festival 2022

We are invited to Uppercut Festival in Bordeaux, taking place from October 20th to 22nd 2022. The festival is organized by Jérôme Noetinger and Ensemble Un – and we couldn't be more happy that this encounter is finally happening after two years of delay and postponing. 

Get your seatbelts fastened and see you in Bordeaux! All information 

Splitter Orchester @ Meakusma Festival 2022

Coming up next: Splitter is playing two shows at nearly sold out Meakusma Festival 2022 in Eupen, Belgium. 

September 3, 20:30h, Eupen Plaza
Steve Heather: Split-Tour (2022) for and with Splitter Orchester

September 4, 16:00h, Eupen Plaza
Splitter Orchester: collective improvisation

(Musical) Improvisation and Ethics + Schrumpf! 

Splitter Orchester is excited to be part of the three-year interdisciplinary, practice-oriented research project »(Musical) Improvisation and Ethics« conducted by members of the 

 at the University of Music and Performing Arts Graz, the 

Institute of Cultural Anthropology and European Ethnology

 at the the University of Vienna. Find more information on the entire endeavour 

Over the next three years, there will be a couple of working phases held in various cities, dubbed »Musical Ethics Labs«. The first one featuring Splitter is coming up in August in Berlin with concerts on August 26 and 27, please click 

Connected to these concerts, we are super happy to announce that we finally get to perform in an actual live setting as part of the Schrumpf! concerts. This was originally planned in 2020, but back then we had to switch to a digital version due to the pandemic. At Schrumpf!, Berlin ensembles present their current productions - in a family format. New art forms can be discovered, places explored, movements tried out, sounds listened to - and the entire family can join in! 

 will happen on August 28 at Akademie der Künste in Berlin.

Splitter Orchester + Mazen Kerbaj: SYNESTHESIA @ WABE

SYNESTHESIA is a live graphic score created and interpreted in real-time by Splitter Orchester. In this new concept, Mazen Kerbaj acts both as the conductor of the ensemble and the director of a movie in the making; the images he produces on his glass table are projected on a large screen for the audience, and on smaller screens for the musicians who use them as material and indications to be interpreted instantaneously. Splitter Orchester reacts to the images, and the conductor reacts to the music in return, each side feeding on the other with no defined hierarchy. The images do not illustrate the music, nor does the music accompany the images; they rather flow together in an organic way. The resulting experience is quite unique for the audience; they can literally see the sound and hear the images of a movie that is made in real-time on stage.

With Mazen Kerbaj and Splitter Orchester, SYNESTHESIA brings together two key protagonists of the Berlin contemporary improvisation scene. Both the musicians of the orchestra and Mazen Kerbaj bring their highly individual and specialized set of skills and aesthetic imprints. Splitter Orchester looks back on 10 years of collective improvisation experience and has already explored a wide variety of methods for shaping free improvisation in large groups in several collaborative projects. With Mazen Kerbaj's SYNESTHESIA, Splitter Orchester again enters uncharted territory and tries out an approach of graphic conducting for the first time.

Splitter Orchester + Mazen Kerbaj: Synesthesia
July 9 and 10 2022, 20:00h
WABE, Danziger Straße 101, 10405 Berlin

»When leaving an intensive listening situation, the perception of the world has often changed, and you may have changed a little as well, at least temporarily«, writes Irene Lehmann about our lockdown project Code of Silence in her text »Regarding listening. On the theatricality of experimental listening situations« in the newly published »Sounding Fragilities«. The book is out now at Wolke Verlag - get it 

We have a full concert schedule planned out for this year! Make sure to catch us at any of these occasions: 

July 9 and 10 @ WABE, Berlin 
Splitter Orchester + Mazen Kerbaj: Synesthesia
more info 

August 26 and 27 @ Akademie der Künste, Berlin
Splitter Orchester + Christopher Williams: Improvisation & Ethics 1
more info 

August 28 @ Akademie der Künste, Berlin
Schrumpf! Splitter: 🐙
more info 

September 3 and 4 @ Meakusma Festival, Eupen, Belgium
more info 

October 21 and 22 @ Uppercut Festival, Bordeaux, France
more info 

More information on the individual projects and shows to follow soon! 

Splitter welcomes 2022 with some personal changes. After long years of working together, Liz Allbee, Boris Baltschun, Mario de Vega, Morten J. Olsen and Julia Reidy have decided to leave the group. Reasons for this were various and each one of the musicians had their very personal ones. Splitter Orchester is very sad to see them leave, but we are also grateful for the time spent and the music created together. Looking forward to meet again in new and unexpected constellations! 

At the same time, we are super happy to announce three new members, who have decided to join the group from now on: no others than Sabine Ercklentz (trumpet), Emilio Gordoa (percussion/vibraphone) and Andrea Parkins (accordion/electronics). In addition, Roy Carroll will switch positions from behind the sound desk to the center of the orchestra pit. In future concerts, you can now hear Roy join forces with Splitter on an ever changing array of electroacoustic media. 

Code of Silence in Positionen #129 / November 2021

During Code of Silence, Splitter was accompanied throughout the process by three writers: Friederike Kenneweg, Anneliese Ostertag and Irene Lehmann. They were invited to witness the entire rehearsal and working routine over the course of 7 pandemic (!) months and being given complete freedom regarding how to put their experiences and impressions into words. 

We are very excited to find out together with everybody what texts came out of this. Their pieces will be published in 

Here it is, the final concert in the Code of Silence series. It was recorded on March 24th this year by Christina Voigt (video) and Roy Carroll (audio).

The second edition of our anniversary project, Code of Silence, happened on February 24th/25th at WABE in Berlin. Due to the pandemic, we could not have a live audience with us. Instead, we decided to record the concert and share the video with everyone.

Social distancing is hard for everyone, but a real challenge if you are a 22-piece orchestra that builds its entire practice on coming together to make music. Over the last months of 2020, each member of the Splitter Orchester has recorded an individual track of their own. Not playing solo, but with the image of playing with the entire group in mind. »Imagine Splitter« is the result of all 22 tracks combined. There is no editing (or muting) involved. All the tracks run »open« from beginning to end and the recording was treated similarly as a live-recording of the orchestra.

Latest News

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, founded in 2010, is a Berlin-based collection of internationally respected Composer-Performers which draws inspiration from many genres, most noticibly contemporary and improvised music. 

 originates from the “Echtzeitmusik” scene, which emerged in Berlin in the mid-1990s – a locally based and globally networked experimental music scene and long-term platform for the exchange of artistic ideas.

 are simultaneously composers, interpreters and improvisers that collectively elude clear classification of an ensemble most comfortable in the creative borderland between composed and improvised music. They utilize a broad variety of extended techniques on traditional, electronic, and especially constructed/tailored instruments. The main focus in their artistic practice is the production of sound (as opposed to musical material) and on how to diffuse it in space. The collaborative nature of musical creation within a Composer-Performer context is integral – from the first sketch to the performance.

Ten different nationalities are represented in the orchestra, although all members are based Berlin.

 is an example of how the contemporary music scene in an international context is changing and experimenting, especially in Berlin, with newer forms of musical communication and presentation.

 is not a homogenous body, but consists of a variety of autonomous and ultra-specialized musicians/composers who choose not to work in an institutionalized framework and put existing hierarchies in the music establishment in question. The whole group relies on each member equally and deliberately denies established leadership roles to create an experimental production field, which is process-oriented and, therefore, socially relevant in a broader sense.

The long-term ongoing collective work processes of the orchestra utilises a wide range of improvisational and compositional approaches – analysing and contextualising specific methods and practices of composition and improvisation. Over five years of experimentation, the ensemble has developed an extraordinary artistic profile and specific group sound.

 was founded in April 2010 by Clare Cooper, Clayton Thomas and Gregor Hotz with the goal of creating a unique orchestra in Berlin to represent the stylistically diverse "Echtzeitmusik" scene. Thanks to the initial support of the Hauptstadtkulturfonds, in the year 2010 the launch of a work process was enabled, which permitted the artistic development of the orchestra and also provided it with a new audience. At the end of November 2010, 

 premiered with a nearly sold-out concert in "Radialsystem" and was received enthusiastically by the audience.

In November 2011 the orchestra followed this success with another notable concert at WABE, which was filled to capacity.

In July 2012, the orchestra performed at the International Summer Courses for New Music in Darmstadt, where, in addition to a first collaboration with the german composer Mathias Spahlinger (doppelt bejaht Etude for an orchestra without a conductor), it presented an original composition.

 performed for the first time abroad. At the invitation of the Paris-based "Orchestre National de Creation, Experimentation et d’ Improvisation Musicale" (ONCEIM) and thanks to the support of the Franco-German Fund for Contemporary Music, 

 played in Paris in the church of Saint -Merry (Festival CRAK).

In 2013 the collaboration with the young Norwegian composer Øyvind Torvund began. Torvund was a guest of the Berlin Artists Programme of the DAAD in 2013/14. During his residency Torvund developed jointly with the 

 the composition "Constructing Jungle Books", which was premiered in 2014 at the MaerzMusik Festival in the Berlin Museum of Natural History. The process of this compositional collaboration was presented in three concert presentations in 2013 that were produced by the DAAD.

Following the premiere of "Constructing Jungle Books", 

 played the original composition "Splitters and Lumpers". The same program was also presented at the Borealis Festival 2014 in Bergen (Norway). Eyvind Torvund was nominated for the "Nordic Council Music Prize" with "Constructing Jungle Books".

In May 2015, Manos Tsangaris and Enno Poppe invited 

 at the Academy of Arts (Berlin) in the frame of the festival “Musik für alle”.

The program presented the orchestra in different formats including a spatial live installation, 

 as well as the world premiere of Resonator III, a composition for orchestra and video by Werner Dafeldecker and Guillaume Cailleau.

 and George Lewis (USA) opened the Berlin Jazzfest with the world premiere of 

In the end of November 2015, the orchestra played two concerts at the Huddersfield Contemporary Music Festival in England. Both the new composition from and with George Lewis and their own compositions and improvisations were presented in Huddersfield

In September 2016, Splitter Orchester played in Geneva at 

 du Galpon. November 2016 saw the premiere of Splitter Music Festival in Berlin, showcasing diverse formats and collaborations.

In 2017 the orchestra cam together for two extensive working phases, one in March and one in December. During the December phase, they recorded “Frozen Orchestra (Splitter)” by and with The Pitch, which was released in April 2018 as the orchestra’s third release by Mikroton Recordings.

The working phases lead to the establishment of monthly rehearsals in 2018, used for further developing of the group’s unique sound. In August 2018, Splitter Orchester was invited to play two concerts at Festival Météo in Mulhouse, France. Besides a new group improvisation, the orchestra premiered “Vollbild” (2018) by french composer-performer Jean-Luc Guionnet, which was specifically written for Splitter Orchester. Back in Berlin, Splitter Orchester played the opening concert for the second Month of Contemporary Music at Heimathafen Neukölln, presented by Kontraklang and field notes. The concert featured a spatial collective improvisation and the world premiere of “Nilreb Variations” (2017/18) by Ignaz Schick, dedicated to the orchestra. In October 2018, Splitter Orchester teamed up with Berlin-based ensemble mosaik and conductor Ilan Volkov to present a conceptualized evening of music at Radialsystem V. The piece “Public People” (2018) by British composer and vocalist Alwynne Pritchard was specifically written to bring together a large scale improvising orchestra like Splitter Orchester with a contemporary music ensemble like mosaik.

In June 2019, Splitter Orchester presented the work Vollbild by Jean-Luc Guionnet alongside a new collective improvisation at Radialsystem in Berlin. The concert took place as part of the "New Empathies" series at Radialsystem, which places its interdisciplinary focus on collaborative processes.


In November 2019, the second edition of the Splitter Music Festival took place at silent green in Berlin-Wedding. Under the title "Counterbalance!" the Splitter Orchester presented a three-day program of improvisations and compositions on a large scale, with Swedish ensemble Skogen, performance duo Skills and noise pioneers Oren Ambarchi & Will Guthrie as guests. The festival concluded with Continuum, a four-hour, continuous concert installation featuring all 38 performers represented at the festival.

In January 2020, the Splitter Orchester was invited to the Hamburg festival klub katarakt together with The Pitch, where they presented the piece Frozen Orchestra (Splitter) in a new version: Frozen Orchestra (katarakt).


During the pandemic of 2020, Splitter Orchester debuted in a livestream format from Berlin's Radialsystem. The concert series SCHRUMPF!, which is explicitly aimed at a family audience, invited the orchestra to present its music in June. In three contrasting instrumental groups, a full day of alternating dialogic formats with audience participation and concert streams were broadcast via Facebook and the project website.

With financial support from the BKM Reload grant, the Splitter Orchester realized its first ever site-specific outdoor concert on the pier of the Petersburg Art Space in Berlin-Charlottenburg in August 2020. The orchestra was set up in a row on the pier, with the audience on the opposite side of the Spree. Ambient sounds and the characteristic acoustic properties of the surroundings became part of the 80-minute concert.


For the 10th anniversary of the Splitter Orchester, the group realized Code of Silence, a three-part, process-oriented concert project beginning in September 2020 that directly addresses and questions the collective's working methods. Over the course of several months, the orchestra met for rehearsals in which nothing is spoken. The orchestra improvises and listens to a recording of the music together immediately afterwards. This process was repeated several times in each session. The results were presented in a live concert in September 2020, as well as two video recordings of the performances in February and March 2021. 